Ennio Morricone, a música do olhar

por Jeffis Carvalho e Miguel Forlin

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Estamos diante dos olhos de Romy Schneider em primeiríssimo plano no filme A Rebelde (1970), de Alberto Bevilacqua. A câmera explora esse belo rosto, mas a sua intenção não é a beleza em si — é mesmo o sofrimento ou as marcas que ele deixou nessa mulher batalhadora e sofrida, diante do corpo sem vida do marido, que jaz na praça. Pontuando a cena, o que ouvimos é uma melodia que parece reforçar cada sulco que se vê naquela paisagem que Carl Theodor Dreyer definiu como o que de mais importante o cinema pode filmar. Que música é essa que lembra os sinos de uma igreja que aos poucos vai exigindo mais e mais a nossa cumplicidade com aquele rosto? Podemos tirar o som, a música e deixar apenas as imagens. Tudo, então, parece perder sentido, razão. Não porque a cena seja ruim e a música sirva para salvá-la. Ao contrário: a música, esta música, está em simbiose com as imagens para compor um quadro único, belo e forte.

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A Rebelde (Reprodução)

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A obra do maestro e compositor italiano Ennio Morricone, falecido há uma semana, aos 91 anos, nunca foi o que se chama de score, música de serviço, que embala sequências de um filme. Ela é parte indissolúvel de toda produção que pode contar com o seu talento diferenciado. Já se disse que Alfred Hitchcock pensava cinematograficamente. O mesmo vale para Morricone. O maestro fazia música de forma cinematográfica. Nada em suas composições é gratuito, aleatório — talvez porque ele componha com o olhar, e cada nota em sua partitura seja como um elemento da mise-en-scène, tal como o são os atores, a cenografia, a luz, os movimentos de câmera. Sua música não é complemento, adorno ou tábua de salvação: é música cinematográfica.

Morricone compôs para mais de 500 trilhas, em uma carreira de 60 anos. De todo o seu imenso, intenso e primoroso catálogo, a sua parceria com o cineasta Sergio Leone (eles foram colegas de ginásio) é a que melhor exprime a sua música e explica todo o seu trabalho com outros grandes nomes do cinema, de Sergio Sollima a Brian de Palma, de Bernardo Bertolucci a Roman Polanski, de John Boorman a Giuseppe Tornatore, de Terence Malick a Dario Argento, de Elio Petri a Quentin Tarantino.

Como destaca o jornalista João Máximo, em seu livro A Música do Cinema:

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Os grandes compositores do gênero western no cinema americano, provavelmente partindo da proposta estética de Aaron Copland, fizeram exatamente o mesmo que os produtores, diretores e roteiristas tinham feito com os filmes. Isto é, não tentaram reproduzir fielmente a música do velho Oeste e sim compor suas trilhas sonoras com andamentos, timbres, cores orquestrais, formas, enfim, que lhes pareciam mais adequadas àquele tipo de filme. Perfeito. E o que fez Morricone? Deu à sua música o mesmo caráter que Leone daria aos seus filmes, ambos partindo do zero para gerar o novo western. Por terem feito isso com competência, é imperioso reconhecer neles outro mérito: o de usarem seu direito de reinventar o gênero sem copiar ninguém.

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A originalidade de Morricone faz dele um inovador na utilização de instrumentos pouco usuais, sempre como recurso estético que pode dialogar com a visão do cineasta. Com Leone, o compositor soube como nenhum outro empregar o recurso musical primordial, a voz humana, valendo-se dela como o que de fato ela é, um instrumento sonoro. Com isso, deu a Leone uma música para traduzir a sua ambição estética de conceber o western como uma ópera. Esse procedimento atinge o sublime em Era uma vez no Oeste, de 1968.

Era uma vez no Oeste (Reprodução)

Compor música cinematograficamente, com o olhar, permite a Ennio Morricone ser quase sempre um coautor, já que ela é um amálgama para as intenções dos cineastas com os quais trabalha. Em outras palavras, a sua música tem uma vida umbilicalmente ligada aos filmes. Como no início do texto, tente tirar a música de qualquer um desses trabalhos e ele ficará manco, muitas vezes sem sentido.

Por outro lado, se a música tem essa ligação umbilical, como é ouvi-la externamente, em um concerto? Sem o filme, ela perde seu sentido, sua razão de ser e torna-se apenas mais uma composição, uma melodia, uma peça musical? É nesse momento que a música de Morricone mostra, efetivamente, por que é cinematográfica. E isso explica o enorme sucesso de suas apresentações orquestrais ao vivo, a sua grande vendagem de discos e a legião de milhões de fãs pelo mundo.

Ao pensar a música já como cinema e criá-la totalmente em sintonia com a mise-en-scène, em parceria com os cineastas, Morricone opera a façanha de fazer com que cada melodia, cada canto, cada instrumento diferenciado, cada assobio, traga, a quem os ouve em um concerto, imediatamente a cena, a sequência, até mesmo um plano. Com o seu olhar musical, Morricone permite que, ao escutarmos as suas composições, os nossos olhos resgatem os filmes em todo o seu esplendor, em toda a sua força e beleza.

Esse resgate vai, inclusive, muito além.  E aqui está a absoluta genialidade de Ennio Morricone. Quando ouvimos a sua música cinematográfica, não resgatamos, em nossa memória, apenas a cena, a sequência e os planos dos filmes. Com ela vem a própria emoção que sentimos quando os vimos no cinema.

Pelos olhos de Morricone, ouvimos e vemos a nossa própria emoção.

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Miguel Forlin é crítico de cinema e colaborador de diversas publicações na área.
Jeffis Carvalho é jornalista, roteirista, pesquisador de cinema e consultor de comunicação.