Uma arte que imita; uma arte que ensina; uma arte que educa; eis a tripla recusa da estética de Baudelaire. Em seu lugar, ele erige a sugestão como princípio da verdadeira arte. Afinal, como o mundo criado reservadamente pelo artista iria manifestar-se se não por sinais, por brechas que deixam apenas adivinhar a coesão do todo invisível para além do muro?
Se hoje nos perguntamos “a quem importam” aquelas intenções, é porque também o formalismo parece finalmente superado. Essa é, pelo menos, uma tese frequente no meio cultural e acadêmico.
Banksy ganhou extrema notoriedade a partir de Exit Through the Gift Shop, documentário que concorreu ao Oscar da categoria, em 2010. No mesmo ano, a revista Time o listou como uma das 100 pessoas mais influentes do mundo, ao lado de Barack Obama e Steve Jobs. Não é difícil entender como se constrói um fenômeno na indústria cultural.
Exposição no museu parisiense Cognacq-Jay lança luz sobre a importância de Veneza para a pintura de gênero.
Maria Antonieta sempre soube o que vestir em cada ocasião, mas usou seu apreço pelos trajes e seu conhecimento da causa como uma marca pessoal. Pecou por seus excessos, e por eles foi duramente condenada.
Para Clive Bell nenhuma educação além do conhecimento das formas é estritamente necessária para a apreciação da arte.
Quando as vanguardas despontaram nas primeiras décadas do século XX, o tipo de relação que os artistas estabeleciam com o público se tornou um tema importante para entender as transformações colocadas em marcha.
Antes de seu ostracismo do debate público, a confissão de fé na catolicidade de uma comunidade resguardava a crença na unidade da raça humana e na universalidade de determinados valores.
Platão nutria uma imensa desconfiança para com as imagens, como demonstra o seu famoso Mito da Caverna – nele, o filósofo defende a ideia de que a imagem é fonte de engano e de ilusão.